released 30 November 2013
john daly: guitars, prepared guitars, ebow, delays, loops.
samples: epson printer, rubber bands, voice.
software: gleetchlab, derivations, audacity.
A place to support Independent Sound Art
Saturday, November 30, 2013
John Daly Uneasy Access
released 30 November 2013
john daly: guitars, prepared guitars, ebow, delays, loops.
samples: epson printer, rubber bands, voice.
software: gleetchlab, derivations, audacity.
Free Donwload Sudden Infant
SUDDEN INFANT
“NOISE IN MY HEAD”
Interview 2011
Live at NK 2009
“NOISE IN MY HEAD”
Interview 2011
Live at NK 2009
Date of release: 26.11.11
Format: File-MP3
Length: 69:18 min
Format: File-MP3
Length: 69:18 min
SUDDEN INFANT
“NOISE IN MY HEAD” INTERVIEW 2011 | LIVE AT NK 2009
SUDDEN INFANT
“NOISE IN MY HEAD” INTERVIEW 2011 | LIVE AT NK 2009
Sudden Infant
Contact: suddeninfant.com
Live at NK, July 18th, 2009. Interview recorded and mastered at Transfert Studio by Mauro Martinuz on November 16th, 2011. Pictures and design by Aniana Heras. Pictures live at NK, November 3rd, 2011.
Interviews by Julian Bonequi & Mauro Martinuz.
Special thanks to Joke Lanz, Lasse Marhaug, NK, Farahnaz Hatam, Julian Percy, Rumpsti Pumsti, Blossoming Noise, SSSM and Quasi Pop Records.
This Work is under a Creative Commons License 3.0
SUDDEN INFANT
"Noise in My Head | The Actionistic Music and Art of Joke Lanz." is a book edited by Joke Lanz and Lasse Marhaug. © Sudden Infant / Marhaug Forlag 2011.
suddeninfant.com
marhaugforlag.no
"Joke Lanz was born in Basel, Switzerland in 1965. In 1989 he created the noise music - performance, art - installation project Sudden Infant in connection with the Schimpfluch-Gruppe art collective. For more than 20 years Lanz has been one of the most prolific and profound artists working in the border zones between performance/body art and improvisation/noise.
Noise In My Head documents Lanz's myriad activities and features: photos from installations, performances and actions; visual works (drawings and paintings); poetry and manifestos; a visual discography, reproductions of concert posters and flyers; new essays by Rudolf Eb.er, Leif Elggren, Daniel Menche, Steve Underwood, Mark Wharton, and Drew Daniel, as well as an in-depth interview with Joke Lanz himself.
Noise In My Head is a portrait of a remarkable artist, but also offers insight into the noise music underground Lanz has been working with for over two decades. Hardcover, 160 pages (16 in colour) and limited to 300 copies"
Pictures courtesy of Marhaug Forlag | The book contains pictures of Rudolf Eb.er, Joke Lanz, Ute Waldhausen, Martin Holtkamp, Monica Reize, Agnieszka Zwara (Cover book), Lotte Arnold, roger Rotor, Sara Lehn, Philip Hennig,André Gali, Daniel Menche,Nathan Beck and others... Apologies to those uncredited.
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| GO TO Marhaug Forlag |
Friday, November 29, 2013
Institute of Artificial Art Amsterdam
A group of electric motors (fans,
drills and sabre-saws), who play electric guitars.
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Electro-mechanical drone music
from the banks of the Haagse Beek.
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A group of computer-controlled
electromagnetic devices, who play electric guitars.
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Radio stations which transmit
sound-environments created by signal-processing algorithms, physical
processes, industrial machinery, and randomly sampled readymade sound.
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Huge Harry, Perfect Paul and Whispering Wendy are the three
most pronounced personalities of the speech synthesis machine MITalk.
They have exercised their vocal capabilities in a wide variety of musical
genres.
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A spin-off of the image-generation
program Artificial (Department of Visual Art). Artificial produces
music by continually translating its digital image representation into a wave
file.
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Free Download Out Level
Runtime: 26'15'' «And eighty releases later, Out Level (a.k.a. Luís Antero for field recording fans) returns with the second part of the sx guitar series (first part here). Again, the only source of audio material here is his guitar, with plenty of effects, feedback and loops to make it almost unrecognizable as a musical instrument. Enjoy the trip.» - test tube |
Downloads:
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| «(...) It isn’t only Antero’s fully realised field recordings which capture attention, as he also creates highly experimental guitar pieces, where the instrument’s voice becomes enwrapped in a shimmering, deep mysticism, and one where her identity is fully cloaked and never seen without a mask. Similar in experimentation lies Antero’s SX Guitar series; as seen in his field recordings, the music here is too created openly, naturally played out in their own rhythms and intricate harmonies. Antero’s second volume in the series focuses on one, wide and spacious aquatic piece, opposing his first release, which comprised of eleven seperate, experimental portraits – their own unique postcards. Antero continues to explore the same areas of experimentalism as seen in his earlier work, but here he displays a far greater maturity and patience to slowly rotate and allow the music a personal space, in loops of hypnosis. It could be said that Portugal’s presence is found in his latest addition to the series, focusing on the guitar as an instrument, without the natural sound of the instrument. The first installment was released four years ago, and this entrance shimmers and wavers with a deeply aquatic feel close to the heart of the music. Along with this, there is a personality and vibrancy that recalls his field recording work. Antero’s field recordings were always active, busy without a chaotic streak, meditative and meandering recordings which evoked a lazy siesta in the afternoon heat. It may be easier to record using laptops and computers in the modern age, but it is still an enviable ability to craft something which sounds organic and free-flowing. Antero’s use of a Buddha machine, a laptop and a blue electric guitar are almost non existent to one’s ears; one could be forgiven for thinking a stringed instrument was not involved at any time during the project. Yet, inside the sharp, crystalline tones there runs a hidden fretboard, ringing out in an endless stream of sustain. A multitude of sounds echoes ever outwards, and from one source many are born. Like postcards, Antero is highly adept at capturing the spirit of a place at any one moment in time. Antero’s work under the alias Out Level allows him to dive deeply into areas of highly experimental music. As an instrument, Antero’s guitar remains forever hidden in a sea of tranquility teeming with electronic glitches and momentary drones. They fade and turn into new, dazzling sonical waters, and it makes for a fluid listen. Looped sections enter and fall back, spiralling in turbulent seas. His music seems to be allwoed the freedom to develop into something all of its own, and this improvisation really allows this addition to breathe underwater. Like the aquamarine artwork, the music displays richly warm, evocative tones, and an occasional, rotating drone of the deepest kind acts as an effective, soothing undercurrent. Alongside this lay notes which trail off with an icy purpose, perhaps eerily so, communicating the sonarsignals and cries of the deep. Notes flow in and out, blurring with rhythms, shimmering with a beautiful crystal clarity in their cycle of loops. It may not immediately captivate in the same manner as his field recording work, but as ever, a deep listening experience will be discovered with just hints of patience. Antero is more interested in a developmental piece this time around, rather than a snapshot of differing rhythms and frequencies of his first excursion. I have to say that I find a strong rhythm to the music, a rhythm with no form of percussion, yet one which exists as sure as a heartbeat. And because of this, there is a definite motion; the music can never sink into boredom, and turns into the lightest of voyages, as sparkling, transluscent timbres smoothly pass over the clear, aquatic airwaves. A cascading waterfall of electronic cycles endlessly, and it is completely immersive in its ambience over all twenty five minutes. In this regard, it is similar to Shinji Masuko’s solo work, most noticeably the relationships between delay and electric guitar. The long-flowing nature of the music allows ample space to breathe and stretch, and while the first set of guitar recordings produced more variety, Antero displays here his greater confidence and mastery and because of this, there is where his increased maturity lies, leading to excitement. Of course, the advantages of focusing purely on one mood inside one piece of music lends it a certain freedom. It’s spacious and unrestricted, and this is what effectively seduces the listener. Antero’s aquatic ambience, currents of glitches, the presence of a drone, and a delay drenched reverb is like discovering a bursting ecosystem full of life as we descend underwater. The drones sink deeper, into sub aquatic levels of the oceans. The instrument takes on a remarkable transformation, cutting and ever changing. It may lack the warped, distorted melodies of Antero’s first SX Guitar LP, but it seems this was never an intention to repeat what was already achieved to such an interesting effect. Instead, the aim is a largely unstructured piece, and the music can then transcend into a deeper listening experience. Deep echoes of drones add a heavy substance, entering slowly as we descend the depths, while also creating a smooth and soothing contrast to the shrill pitches under the influence of an endless delay. These deep reverberations may reflect the deep fathoms of both his sound, and the ocean off the Portuguese coastline. SX Guitar #2 propels the listener into the deep, and Antero’s sound remains focused, yet deep. The possibilities for Antero to continue in this vein are seemingly endless, and it will be with a great interest to see what experimental discoveries lay in front. As his notes speak a new language, Antero has created an immersive listen which acts as an effective hypnosis, until we awake from the depths and surface. - James Catchpole [A closer listen] / June 18, 2012
Source:http://www.monocromatica.com/netlabel
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Thursday, November 28, 2013
Free Marc egea
Glimpse
Marc Egea
AUTOPRODUCCIÓ
2011
1) Dramatícula
2 ) Clinamena
3) Sichler
4) Andar Alla Macchia
5) Glimpse #1
6) Enygma
7) Glimpse #2
8) Kaulalau
2 ) Clinamena
3) Sichler
4) Andar Alla Macchia
5) Glimpse #1
6) Enygma
7) Glimpse #2
8) Kaulalau
50:41
Marc Egea: veus, viola de roda, picarols
Totes les composicions i arranjaments són de Marc Egea
Wednesday, November 27, 2013
Ivo Kapek Test Tube
| Runtime: 40'34'' «Some of you that follow test tube releases might remember Ivan Kapec's groovy guitar sounds back from 2008's release tube113 (Triangulizona's amazing album 'Flossy'). Well, Ivan is back with a solo release, 'The path of love', which he subtitled: 'Solo guitar pandiatonic free improvisation'. Most of the album tracks were captured as free improvisations, except for the title track 'The path of love' and 'Susret' which were originally composed for a 'dance performance movie' called 'Happily Ever After' (Vimeo link for the trailer), directed by Vladimir Koncar (also responsible for the Triangulizona live show visuals). However, the tracks that Ivan composed for the movie feature Hrvoje Galler playing the piano, while the new versions presented here were recorded with Ivan playing just his acoustic guitar, like everything else on this album. Ivan explains the reasons behind this album: "(...) 'Happily Ever After' had in the begining been titled 'The path of love', but Vladimir changed it later. But, for me the original title was very suitable for the material which I worked solo. I recorded many tracks in two years, thinking about making a solo acoustic album. Some of them were recorded at home." While recording the final versions, Ivan decided that the music lacked - his words - "proper emotionally common sound and technical audio quality" - so he decided to re-record them in a single session at a professional studio in Zagreb, to maintain the true improvisation 'soul' but with a better sound quality overall, without overdubs, overedits and usual post-production changes. 'The path of love' is an intimate acoustic guitar session, and should be listened to in a peaceful setting, preferably with headphones, in dim light or complete darkness. Enjoy.» - test tube |
Downloads:
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| Reviews: «Acoustic guitar in reflexive mode, without words. For foggy mornings, lazy afternoons and quiet nights.» - Netlabels Go Pop / April 06, 2012 «Ed ecco qua una netlabel storica: la portoghese test tube, presente sulle scene dal lontano 2004...8 anni e 249 release portati decisamente bene! In questa occasione ci presenta un album estremamente piacevole e di assoluta distensione: "The path of love". L'autore è il chitarrista/compositore croato Ivan Kapec (Zagabria). Con un notevole background alle spalle, tra cui 2 album con la croata Dancing Bear, borse di studio e seminari, collaborazioni per la composizione di colonne sonore ed esibizioni live in molte nazioni europee, Ivan Kapev è inoltre attivo come chitarrista nelle band Capisconne e Triangulizona (scaricate l'ottimo "Flossy" [tube113] del 2008). "The path of love" contiene tracce composte nel corso degli ultimi due anni, ma durante le sessioni finali in studio, Ivan si accorge che i brani non hanno il giusto appeal e la qualità audio ottimale e così decide di rifare il tutto andando in uno studio a Zagabria ove ri-registra ogni traccia in una singola sessione e senza sovraincisioni: il risultato finale è eccellente. Si può cogliere l'umanità delle piccole sbavature in una riverberazione pressochè perfetta. E' un piacevole cullarsi tra arpeggi che "surfano" nell'aria...ideale l'ascolto in una stanza in penombra, dove è gradevole captare anche le vibrazioni di corde inopportune. Mi abbandono nella title-track, tra tormento e celestialità...sofferenza racchiusa all'interno di un palloncino di un bambino giustamente curioso, che prima trattiene e poi rilascia, osservando e gioendo delle piroette nel limpido cielo...dov'è l'aria? dov'è la sofferenza? Se si trova l'approdo all'esatta permeabilità cognitiva, "The path of love" sa colmare anima e corpo di una beatitudine e un'armonia universali.» - NetMusic Life / April 04, 2012 |
Frith on Reichel
Fred Frith joins Charles Amirkhanian for a brief discussion on Hans Reichel, a musician/friend/collaborator, and "a master craftsman" of guitars. (Frith and Reichel performed together later that week). Frith also comments on the noise/free music/improv scene, and his compositional work at the time.
Program portion ends with selection of Frith's "Technology of Tears", a piece written for dance.
Tuesday, November 26, 2013
Bernardo Devlin
Having grown up in an artistic environment, Bernardo Devlin was exposed to the visual arts from a very early age and this has informed his musical thinking far more than other orthodox musical approaches. However, it was out of his listening habits that his ideas started gaining shape. In 1985 he formed his early combo Electrodomésticos and two years later Jardim Orgânico. In the meantime he had also been part of other groups and participated in the very polemic concert of Vítor Rua's "P.S.P. - Pipocas" project at the club Rock Rendez-Vous. By the fall of 1989, Devlin formed Osso Exótico with David Maranha, André Maranha and António Forte, a group prone to musical experimentation. With Osso Exótico he released two records before moving out to Berlin in 1991, where he lived for three years. There he recorded his first solo album "world, freehold" (released by AnAnAnA in 1994) and composed some original music for theatre.
“At the beginning, Osso Exótico was really important. But very soon I realized that if I wanted to achieve my personal goals I had to do it by myself. Also, I was about trying out disparate elements within the song form, which we very naturally did when we started. But the more things developed, the less the others were willing to do it. It was hard but very obvious that I had to leave”.
Back in Lisbon, Devlin started writing songs in a way he was aiming for a very long time (also switching at this point from English to Portuguese in his lyrics), he got in touch with compatible people who happened to be musicians and, on a single nighthawk acoustic session in a church in Oeiras, together they recorded his second solo album "Albedo" (AnAnAnA,1997):
"Bernardo Devlin presented himself for the first time solo, after Osso Exótico. The room (Sala do Risco) was too small to receive all those who went to listen to the music of the author of "Albedo" (his new album). Nevertheless, it is clear that Devlin follows a path with no equivalences in the Portuguese music, (…) maybe closer to the vocalizations of Robert Wyatt or David Thomas (Pere Ubu)".
Blitz, October 1997
"Devlin, an already acclaimed collaborator in different projects of sonic experimentation - such as Osso Exótico, doesn't work with what we'd normally call a band with fixed instrumentalists but instead with a selection of people - some more well-known than others - operating within a frame of similar references and musical values. (...) Beyond writing the songs, Devlin sings them, and the solipsistic character of his reflections about nature, language and time is well emboldened by the sound evolvement, rather effects-free and expanding through long durations (...)".
Jorge P. Pires, Expresso, March 1998
Whilst developing his personal approaches to the songform, Devlin has also been a composer for films. In 2000 he wrote the music for the very acclaimed animation movie A Suspeita, directed by José Miguel Ribeiro, and in the same year he won himself an award for the best original music for the Bahia Film Festival, in Brazil, with the soundtrack for a short film called "A Testemunha", directed by Fátima Ribeiro. Later he did the music for the twenty-six songs of As Coisas Lá de Casa ('Household Things'), a TV series done by the same team of the aforementioned "The Suspect".
By the fall of 2003, his third solo album "Circa 1999 (9 Implosões)" was released to a critical acclaim.
"La voix de Bernardo Devlin comme un cristal noir est enchansée dans l'écrin anguleux d'une orchestration déstabilisante, instable et acérée. (...) "Circa 1999 (9 implosões)” tient de la rugosité minérale et de l'effonrement. Ruines de contructions escheriennes et perpètuelle transformation. (...) La musique aussi abrupte deBernardo Devlin porte, comme flottant dans un vent glacial, des lambeaux mélodiques, échos épuisées d'un éclat voilé. Etoiles sombres, presques mortes, dans un ciel sans horizon. Un très beaux disque, à tout point de vue."
Manu Holterbach, Revue et corrigée, June 2004
"Circa 1999 is a strange album. Its author, Bernardo Devlin, is not much behind it. The cover of this object is silver, as a mirror, and the booklet contains colored pages, without any text. (...) Devlin is an inhabitant of frozen constellations, his eyes too opened for the night. The voice of this former element of Osso Exótico is somewhere between the shadowy romanticism of Scott Walker and the operatic tone of Peter Hammill (...). It is not psychedelia, because the dream-like evasion is not allowed, but rather the shifting power from a strange ceremony of astral sado-masochism, in which the music - tomb pianos, feverous saxophones and electronics from the factory, abysses of percussion, funeral strings- determines the smaller gestures of mise-en-scène throught his infernal passion in the shape of a statue."
Fernando Magalhães, Público, February 2004
From 2004 to 2006, he worked on "August Rough", a song cycle in collaboration with English composer/pianist Andrew Poppy. DEVLIN & POPPY performed twice in Lisbon (the record remains unreleased to this date, and some songs can be heard on http://www.myspace.com/devlinandpoppy).
ÁGIO - THE NEW 2008 ALBUM
Early in 2005, Devlin began working on his next solo project entitled "ÁGIO", which he better describes:
"These songs are punctuated by layers of live and programmed rhythms on which a heterodox line-up of musicians produced electric and electronic textures. The voice occupies silent zones while taking at the same time inspiration out of the blank left by the unfulfilled modernist promise of 1970"s Lisbon and, somehow, Beckett. It, however, follows the same poetical vein of my previous work and any sort of further explanation or definition might spoil a better reading of the songs."
Monday, November 25, 2013
Free Download Microcosmos
first song for the monkeyEcho. Asking the big question "Who are you, and why are you here?"
from theOne, released 01 January 2008
microcosmos
is monkeEcho's second album. It's "designed music" meaning it's as
simple and to the point as possible by still sounding good and funky.
Additional background infos and other material is available via monkeyEcho's blog (--> productivemonkey.wordpress.com ).
Be part of the monkeyEcho by providing feedback, hints, tipps, pictures, inspiration, whatever.
Video of sameHereLucy available on youtube (www.youtube.com/watch?v=ZjeDWf4QGbU)
Additional background infos and other material is available via monkeyEcho's blog (--> productivemonkey.wordpress.com ).
Be part of the monkeyEcho by providing feedback, hints, tipps, pictures, inspiration, whatever.
Video of sameHereLucy available on youtube (www.youtube.com/watch?v=ZjeDWf4QGbU)
credits
released 17 February 2013
Album credits: to be defined. Still checking my backlog.
All songs written, performed, recorded by monkeyEcho
Vocals on aWarmSmile and fundamentalLying by Susanne Struck
Album credits: to be defined. Still checking my backlog.
All songs written, performed, recorded by monkeyEcho
Vocals on aWarmSmile and fundamentalLying by Susanne Struck
monkeyEcho
Sunday, November 24, 2013
Angel Ontalva, 13 cuestiones
Isla Purgatorio (Clamshell Records, Noviembre 2013), ultimo trabajo compuesto por Ángel Ontalva (1965) es una obra para cuarteto, que cumple las mejor definición que Goethe aplicara al Cuarteto de cuerda clásico: una conversación entre cuatro personas razonables. Quien compone, invita, siempre lo hace hacia un espacio compartido y mediante un tema sobre el que dar vueltas. Angel Ontalva, guitarra, apadrina la autoría de todas las composiciones de este proyecto, que desarrolla, desde una clara confesión de afecto por el sonido Canterbury, la necesidad de explorar la evolución de este momento de la historia del rock británico hacia cada una de sus mil ramificaciones, el free jazz, la improvisación y el jazz rock, las músicas del mundo, la improvisación libre. Siempre que definimos un género asistimos a cómo nuestros tiempos lo agujerean, haciendolo poroso y abierto a todo el resto y desdefiniendo -desmereciendo- la palabra que quisiera explicarlo.
Las composiciones de Ángel son una invitación: el mantel colocado, la definición amistosa que provoca este trabajo, es la de crear compañia; la del grupo, cimentada por ese dificil adhesivo que es la amistad, que da vueltas conjuntamente. Eso significa etimológicamente conversación, del verbo verto >girar, dar vueltas conjuntamente alrededor de las variaciones de un tema, que siempre es un pretexto.
Hay dos líneas especulares en el centro de diálogo de este trabajo. Una trabada base rítmica, perfectamente empastada que hace sólida y en muchas ocasiones unísona una perfecta forma de apoyo que se convierte en melódica, sin trastornar su espacio propio, formada por Amanda Pazos y Vasco Trilla, ante (cabe, con contra) la que dialoga el saxo de Alfonso Muñoz, que presenta la principal variante en el desarrollo del grupo, al sutituir al contrapunto que Victor Rodriguez ofrecía en los teclados. La aportación es muy notable, el soplo de la improvisación se hace más patente, hace más personal la propuesta, alejada de las bases y referencias RIO del grupo. Ángel construye el siguiente contrapunto a estas cuatro líneas en despliegue, como en permanente fuga. Guitarra autodidacta de talento, pertenece a una generación marcada por la necesidad de construir una referencia personal ante una tradición que los media comenzaron a hacer omnipresente. La velocidad de las influencias de la generación de músicos y compositores que se asomaron a la explosión de Internet, pero que antes había vivido de lleno la fascinación heróica de la eclosión del rock de los 60, desde King Crimson a Henry Cow, y que a su vez se encontraron en la mejor época de su desarrollo como creadores, las espinas de una industria de la cultura musical en descomposión, con medios, discográficas y modelos sumidos en una duda eterna, es la de hacerse un terreno propio, sobre la sombra de estos heroes huídos.
Pienso como referentes en los que han podido escapar a esa explosión y secuestro de influencias, como Steven Wilson (1967), Markus Reuter (1972) o Jakko Jakszyk (1958), envueltos en su primeros desarrollos en bandas de culto a esos ídolos y que ahora están proponiendo, al alcanzar una distancia apropiada a modelos que siguen repetando, una intensa voz personal que, graciosamente, hace que los referentes desciendan a aprender de sus lecturas. La tremenda ventaja de esta escuela de emulación es que las referencias técnicas son fuertes, y que la lectura obsesiva de sus bases han llevado a que en muchos casos se trasciendan, mejoren y continúen allí donde el modelo se detuvo. Las influencias, se dice, son como las armaduras, a los débiles les aplastan y a los fuertes les protegen. Las de Angel son claras y definibles: Terje Rypdal, Fred Frith, Hans Reichel, René Lussier, Jim Hall, Derek Bailey... Lo ingenuo sería no saber que todo lenguaje posee una trasfondo organizado que es necesario conocer, abrazar y enfrentarse a la posibilidad de ser devorado por su influencia, como la de un satélite que no encontrara fuerza para establecer fuerza gravitatoria propia.
Isla Purgatorio se enfrenta a todas estas premisas: apuesta por una compañía precisa, la del cuarteto, en donde la necesaria armonía de las cuatro voces no impide un desarrollo medido de cada una de sus líneas: el valor de las composiciones de Ontalva es la de colocar este espacio, de compartir el tiempo de modo que la conversación sea razonable, posea un fraseo preciso, disponga de los silencios arquitectonicamente, busque la variación suficiente para que modelo fijo -guitarra, bajo, bateria, saxo- sea ameno y explore condiciones sorprendentes en este sonido de camara. Conseguir una clara definición de las personalidades que componen el grupo, sin que se vean sometidas a su tiranía es la dificultad principal de todo trabajo colectivo y uno de los aciertos centrales no solo de este trabajo, sino del desarrollo de las propuestas de Ángel. En castellano se define mediante una palabra certera: respeto. El respeto es una herramietna de composición que habla de valorar, conocer, oír y procurar la distancia exacta con el espacio del otro, de los otros. Faltas de respeto serían las que producen los exceso del ego, una linea central -solista o egomaníaca en tantos casos- que reduce las aportaciones del resto de participantes a acompañantes pasivos. Compañia, quiero recordar, significa compartir el pan.
Más allá de las dificultades de desarrollo de un grupo en nuestros complejos y críticos días, el segundo papel de Ángel es el de buscar este espacio de diálogo para sus últimos trabajos. Las propuestas son investigaciones personales. Quizá se entienda mejor esta composición a cuatro voces de su último disco si lo contrastamos con sus últimas colaboraciones, en donde además de otras sonoridades, como el free jazz, la música étnica o la libre improvisación, queda clara la busqueda de otros -ambitos de conversación que enriquezcan las posibilidades de la composición. Componer no es otra cosa que poner o proponer conjuntamente, recuerdo. Me refiero a sus colaboraciones en duo con Vasco Trilla, con Marc Egea, con Alfonso Muñoz o en trio (Las Ocasiones Perdidas) que patentizan que October Equus antes que un nombre, un posicionamiento reconocible en una comunidad de oyentes, es un modo de hacer no restringido, un espacio en cambio, un método de trabajo, una forma rica que en su evolución constante, va creando un espacio fértil, en donde cada entrega es una etapa que se quiere diferenciar de la anterior, proponer nuevas metas, o simplemente, responder a la peligrosa necesidad real de crear.
¿Cómo describirías la escena músical española de hoy?
No conozco mucho... España no es un país con gran tradición en el tipo de música que yo hago, así que he intentado proyectar más hacia fuera. En Barcelona hay una escena musical muy interesante, alrededor de algunos músicos de vanguardia, free jazz y que en algunos casos tiene raíces en la música tradicional también.
En cuanto a las discográficas, el último disco que he hecho, October Equus Quartet 'Isla Purgatorio', ha salido con un sello de Albacete, Clamshell Records, que lleva poco tiempo pero tiene ya un fenomenal catálogo con algunas grandes figuras del free jazz y la improvisación libre. Es la primera vez que saco algo con un sello de aquí (salvo los que he sacado en mi propio sello octoberXart, claro) y tengo mucha ilusión por ver qué sale de la experiencia.
Y las salas... Bueno, creo que es una opinión común de todos los músicos que se ha vuelto muy difícil tocar en España, con condiciones nefastas que en gran parte de los casos llegan al extremo de tener que pagar los músicos a las salas para tocar. Pero ya digo, no soy un gran conocedor de la escena española porque el tipo de música que hago nunca ha sido muy exitoso aquí. Aunque tengo la sensación de que en los últimos años se va formando una nueva generación de músicos y oyentes deseosos de explorar nuevas vías que escapen de lo convencional, y consecuentemente se abren otras alternativas a la clásica sala de actuaciones, centros culturales autogestionados y cosas así.
¿En qué modo os apoyáis en los medios digitales, tanto para la creación como para la difusión de vuestro trabajo?
Bueno, a través de internet hemos obtenido valiosos contactos: músicos, sellos, distribuidoras... Prácticamente todo ha sido posible gracias a internet. Cuando hemos organizado una gira en Europa la herramienta principal ha sido internet. Para la creación, frecuentemente he trabajado piezas de músicaintercambiando con otros músicos archivos midi o pistas de audio a través de internet. Para la difusión esfundamental, tanto para nosotros como para las tiendas y distribuidoras que venden nuestros CDs. En micaso, es la única vía de difusión que utilizo, con la excepción de algunas emisoras de radio independientes muy minoritarias.
Supongo que tiene el lado negativo que todo el mundo comenta, las descargas ilegales... Cuando sacamosun disco, en un par de semanas se encuentran multitud de páginas (mayormente rusas o de países delEste de Europa) que lo ofrecen en descarga, gratis o a cambio de dinero (¡!)... Sinceramente no creo que a nosotros nos suponga una gran pérdida en el momento actual. Creo que gran parte del público que nossigue tiende a actuar deliberadamente como fan/benefactor: compran los CDs porque les gusta poseer losobjetos de colección y también están concienciados de que para obtener más música nueva de losmúsicos, estos necesitan de los ingresos que les proporciona la venta de discos. Quizás es una
peculiaridad de la audiencia que escucha determinado tipo de estilos y a artistas de estilos más 'populares',por decirlo de algún modo, sí les afecte más la piratería...
¿Cuales son las ventajas y los inconvenientes de crear con una guitarra?
Pues no sabría decir si es muy diferente de crear con otros instrumentos... Como herramienta de composición el piano es más dúctil y completo. Por otra parte, el riesgo de componer con tu instrumento siempre es que la idea que tienes en la mente tiende a acomodarse a lo que 'viene bien a los dedos' en la traslación. Muchas veces escribo directamente con el ratón en un programa de notación musical para evitar esos clichés,particularmente si escribo para otros instrumentos. A veces me ocurre que estoy trabajando en unacomposición con la guitarra colgada mientras escribo y me veo en la necesidad de dejar aparte la guitarra para concentrarme más en las notas que suenan en mi mente...
Por lo demás la guitarra eléctrica, que es lo que yo toco (aunque el noventa por ciento del tiempo toco con ella desenchufada) permite multitud de enfoques a través de efectos, procesadores, sintetizadores... Es un instrumento extraordinariamente expresivo para la creación 'espontánea'. En directo, en conciertos de improvisación libre, utilizo técnicas diversas que me permiten 'pintar' diferentes paisajes: tapping, afinaciones alternativas, ebow, manipulaciones electrónicas... La guitarra eléctrica puede resultar sorprendente, algo que no se puede decir de todos los instrumentos.
Tambien pintas y dibujas, ¿qué tipo de sensaciones aporta cada medio, la música y la pintura?
La pintura es un viaje en solitario, y la música, aunque se trate de las composiciones de un solo individuo, acaba siendo un trabajo de equipo la mayor parte de las veces. Pintar es una tarea mucho más sencilla y directa en el sentido de que no requiere de ninguna planificación, ni tener que coordinar las agendas de otras personas, ni de grandes sumas de dinero ni de grandes medios, más allá de disponer del material que necesitas para pintar, y la luz del sol. Por lo demás, no siento que haya una gran relación entre lo que hago como músico o como pintor. Hay quienes ven las notas de colores y cosas así o perciben los cuadroscomo si fueran sinfonías... Bueno, yo no. De hecho me cuesta un poco simultanear ambas cosas, si estoy concentrado por ejemplo haciendo un disco me es muy difícil cambiar el chip y ponerme a pintar repentinamente... Y al revés, claro.
Hablame del peso y el valor de tus influencias
Bueno, yo diría que a través de los años pasas por diferentes fases: primero tratas de emular a tus ídolos; luego tratas de de evitar parecerte a tus ídolos, y finalmente empieza a importarte poco si te pareces o no a otros y te preocupas más de profundizar en tu lenguaje y tratar de encontrar un sentido a lo que haces en el contexto del momento en el que vives, y generalmente es en esta etapa en la que comienza a emerger tu propia voz. Hay afortunados que lo logran con 20 años, y otros que no consiguen escapar jamás de la primera etapa...
En mi caso, como soy más bien perezoso en lo que se refiere a 'estudiar' con la guitarra (de hecho jamás practico ejercicios ni escalas) no he sido capaz nunca de ponerme a aprender nota por nota frases o solos de otros, así que nunca he sido un buen imitador de ningún estilo ni de nadie en particular. Más bien, como
soy autodidacta, he cogido un poco de aquí y un poco de allá, y con eso he ido tirando para adelante. Y tocando con gente, particularmente con gente de otras culturas, se te 'adhieren' cosas que vas incorporando a tu lenguaje casi sin proponértelo. Al darme cuenta muy temprano de que si quería tocar jazz (que es lo que yo quería, ya antes de empezar a tocar) no iba a pasar de ser un pésimo Jim Hall,sobre todo me he esforzado en tratar de ser yo, salga lo que salga, e intentar hacer cosas interesantes.
Consecuentemente, me han interesado músicos con fuerte personalidad que trascienden los géneros, no necesariamente guitarristas. Gente como Piazzolla, Hermeto Pascoal, Mingus, Lars Hollmer... Incluso los Beatles. Carla Bley y Michael Mantler en los 60 y 70, McLaughlin, algunos de los grupos que el sello
Cuneiform Records sacó en sus primeros años, René Lussier, Jean Derome, el grupo Henry Cow y todo lo que hicieron sus componentes en sus carreras en solitario... Jimmy Giuffre era sensacional. Debussy, Messiaen... Guitarristas como Hans Reichel o Fred Frith... También me gusta mucho Terje Rypdal, como
guitarrista y como compositor. Ahora estoy escuchando mucho la bigband de Toshiko Akiyoshi con Lew Tabackin, la fusión que hacen de bigband a lo Ellington con elementos de música japonesa me tiene fascinado. Todos estos me han interesado sobremanera (y muchos otros que me dejo), y de todos ellos
tengo influencias que reconozco, o sea que me doy cuenta que las tengo... Luego están las influencias subconscientes, que uno tiene pero no controla, y que afloran sin que uno se de cuenta... Esas son más difíciles de gestionar pero están ahí...
¿Cuáles son tus motivaciones para componer?
No tengo grandes motivaciones, es lo que me gusta hacer así que eso es lo que hago, ¿hay mejor motivación que esa? Frecuentemente compongo porque necesito sacar un disco para pagar los recibos, pero como es algo que me gusta hacer suelo tener los deberes hechos y a la hora de juntar material para un disco sólo tengo que escribir una pieza nueva o dos porque ya he acumulado material suficiente.
Siempre tengo música en el cajón. Puede darse el caso de que escriba material nuevo para un nuevo proyecto de banda, eso siempre es muy excitante. Me gusta escribir pensando en la personalidad de los músicos que van a tocar las composiciones, eso me motiva también.
¿Cuál sería tu objetivo más inmediato, y tu sueño más a largo plazo, dentro de la música?
Como objetivo inmediato seguir alimentando el sello octoberXart, que he creado para sacar la música que hago. Desde su creación en Mayo de 2012 hasta ahora hemos logrado sacar 3 CDs, 2 CD/Rs y 8 álbumes disponibles sólo en descarga digital. Para un año y unos pocos meses, no está nada mal, creo yo. Tengo varios discos que quiero sacar en 2014: otro disco de October Equus en septeto, la publicación del 'disco perdido' de October Equus, una larga suite que compuse para un disco que saldría tras nuestro primer disco y antes de Charybdis y que nunca llegamos a grabar; estoy ahora mismo finalizando los arreglos para un segundo volumen de Mundo Flotante... Esas son las cosas más inmediatas, que deberíanocuparnos hasta más o menos la mitad del año que viene. Y también poder promocionar en directo el October Equus Quartet, con el material del disco que acaba de salir, 'Isla Purgatorio'; eso me gustaría mucho.
Mi sueño, a largo y a corto plazo, es poder afrontar sin dificultades económicas cualquier proyecto que emprenda. Como no tengo grandes ambiciones de tocar con músicos legendarios ni nada parecido porque los músicos con los que toco son tan buenos como los mejores, mis grandes sueños guardan relación con la falta de medios, que siempre es el mayor obstáculo para llevar a cabo nuevos proyectos.
También me gustaría mucho hacer música para cine, documentales, teatro, danza... Definitivamente este es uno de mis sueños.
¿Cómo entiendes el trabajo en grupo, cómo lo gestionáis, desde el punto de vista creativo y cualquier otro?
Suele empezar con que yo imagino un nuevo proyecto, que puede ser otro disco de October Equus, una cosa nueva, una idea muy vaga sobre algo... Se lo comento a los músicos con los que colaboro, o a veces les doy tres o cuatro opciones. Le damos vueltas, discutimos si es viable... Por ejemplo, para el disco
Permafrost llamé al teclista de OE, Víctor Rodríguez (que es mi hermano, por cierto), y le propuse hacer un disco nuevo en tiempo record, partiendo de cero y utilizando solamente música nueva, compuesta para ese disco. Se me ocurrió que podríamos hacerlo volviendo al formato de cuarteto de guitarra, teclados, bajo y
batería de nuestro primer disco (el anterior, Saturnal, se grabó en septeto) y que podríamos componer todo el material a medias, que es algo que no solemos hacer. Tardamos mes y medio ultraintenso en tener todas las partituras, tardamos más o menos un mes en grabarlo todo y Amanda Pazos Cosse tardó unos15 días en mezclarlo (ella es la bajista de OE y mis otros proyectos y mi pareja, suele mezclar siempre nuestros trabajos; es el 'técnico de sonido' de octoberXart). Lo mandamos a masterizar a Udi Koomran, que tardó unos pocos días, y a la fábrica.
Este es un típico proyecto de la casa, realizado a partir de que me levanto una mañana con un arrebatoy pongo a todo el mundo a funcionar. No siempre puede ser así, por ejemplo 'Isla Purgatorio' ha tardado un par de años en ponerse en marcha, hasta que al terminar con Permafrost encontramos la ocasión de juntarnos los cuatro para ensayar, con la excusa de una minigira del grupo en Francia. En este caso, yo he escrito todas las composiciones, pero en el sonido final del grupo ha sido fundamental la aportación estilística de cada uno, al haber una mayor tendencia a la improvisación. Vasco Trilla colabora muy activamente a la hora de encontrar los músicos adecuados a cada ocasión, tiene una enorme agenda y sugiere mucho y acertadamente. Él trajo al saxofonista Alfonso Muñoz, que ha tocado en varios de nuestros proyectos, y también me puso en contacto con el zanfonista Marc Egea, con el que he grabado un disco en directo que me parece de lo mejor que yo he hecho en el terreno de la improvisación, y con el que espero contar para futuros proyectos. En October Equus es muy importante la participación de Víctor, que compone gran parte de la música y marca una línea estética muy definida.
En cuanto al tema financiación, grabaciones, coordinación, logística, infraestructura, habitualmente es cosa de Amanda y mía.
Elige una guitarra, la que quieras, pero dime por qué
Uf... Esto es difícil, no todas son buenas para todo y hasta la peor guitarra puede tener alguna cualidad quela hace especial. Además, mi experiencia está limitada a lo que he tenido. Dicho esto, quizás con la guitarra que yo me he sentido más cómodo ha sido una Gibson Les Paul Junior Special con dos pastillas P90 'soapbar'. Es una guitarra muy sencilla, con el cuerpo de caoba, sin la característica tapa de arce de las Les Paul, y el gran sonido de las P90, redondo y con filo al mismo tiempo. Posiblemente son mis pastillas favoritas.
Con la guitarra que más he tocado porque es la que me permite más flexibilidad es con una custom fabricada por un luthier, que monta dos pastillas Bartolini, es semihueca y tiene un puente de guitarra acústica que antaño tenía funcionando un sistema piezoeléctrico, combinable con las pastillas, que algún día haré restaurar. Tiene 24 trastes y un comodísimo acceso a la parte alta, cuerpo de caoba, tapa de arce 'ojo de pájaro' y diapasón de ébano, con mástil encolado. Utilizo mayormente la single coil del mástil, que tiene un sonido increíble y único, muy transparente aunque no muy bueno para distorsiones fuertes. Me
funciona muy bien con las afinaciones alternativas (en un concierto de improvisación puedo cambiar de afinación cuatro o cinco veces) y como pasa las cuerdas a través del cuerpo tiene mucha resonancia y me gusta cómo suena el tapping con ella. Con esta guitarra llevo tocando varios años en directo, y he grabado un disco de guitarra experimental en solo, 'Land of Rain and Steel'.
No puedo elegir una... Me gustan mucho las Ibanez Artist de principios de los 80, son guitarras fantásticas, Les Paul mejoradas. Y tengo que decir que tuve una Danelectro, una guitarra fabricada con aglomerado y cartón, que sonaba maravillosamente, a lo que posiblemente no eran ajenas las pastillas Lipstick que
montaba. Era una de las actuales, muy bien fabricada y muy barata. ¡El sonido de Syd Barrett en el primer disco de Pink Floyd por menos de 300 euros!
De todos modos, una buena guitarra eléctrica no es nada sin un amplificador que le haga justicia. Soy fan de Sinmarc, una marca de aquí que hizo unos amplificadores formidables. Tuve uno de principios de los 70 basado en el esquema del Twin Reverb que sonaba mucho mejor que el original. También utilicé durante años un Fender Bassman Blackface de 1966 que sonaba increíble.
Tu mejor recuerdo del trabajo de estos años
Pues es difícil también escoger uno... Por ejemplo, el año pasado hicimos con el grupo Ofir (arreglos en clave de jazzrock de canciones tradicionales sefardíes) una gira por la costa del Mediterráneo hasta Macedonia. Hicimos 7000 kilómetros en furgoneta tocando en algunos sitios increíbles, y el último concierto en la Sinagoga del Tránsito de Toledo fue uno de los momentos más gratificantes de mi carrera.
¿Cuál crees que es el espacio que ocupa el rock ahora mismo?
Como nunca me he considerado lo que se dice un músico de rock, o al menos 'a la usanza', me es difícil contestar. Puedo hablar del área del rock con la que yo estoy más relacionado, lo que llaman 'avantprog' o Rock in Opposition, que vive un momento de auge sorprendente. Aunque a veces tengo la sensación de que la proliferación de bandas en este tipo de música ha sido tan repentina que no ha dado tiempo a quese establezca una audiencia para todo lo que hay. Dicho de otro modo, parece que hay más bandas que público... Pero si el fenómeno continúa, el público aparecerá.
Creo que las etiquetas se están diluyendo un poco, en la actualidad hay muchos puentes entre los géneros y se está creando una 'tierra de nadie' apasionante en la que confluyen los estilos y que está dando música muy excitante. Ahí está apareciendo gente de mucho talento que anda a medio camino
entre la clásica, el rock, las músicas tradicionales, la experimentación...
¿En qué modo son diferentes los trabajos de Ángel Ontalva de los de October Equus? ¿Qué busca cada perfil?
October Equus sigue una línea estética muy definida en la que no cabe todo, influenciada por la música clásica del siglo XX y lo que llaman Rock In Opposition. En October Equus componemos Víctor y yo, más o menos al cincuenta por ciento. Trato de que el material que escribo para October Equus sea coherente con las composiciones de Víctor.
Aparte, escribo una gran cantidad de música que no encaja con la línea de October Equus, en composiciones sueltas que voy guardando por ahí sin muchas pretensiones o también para proyectos concretos. Algunos de esos proyectos suelen estar relacionados de alguna manera con las Músicas del Mundo (una etiqueta que no dice gran cosa, pero para entendernos...), como fue Transarabian Connection, un grupo que fusionaba rock progresivo con música del Mahgreb, cantado en árabe, u Ofir, a los que mencioné antes, con los que hacíamos el tradicional repertorio sefardí de una forma única y muy vibrante, a mi entender...
En Diciembre de 2012 publiqué un disco a mi nombre que reflejaba un poco mi interés por la música árabe, africana y oriental en clave de jazzrockprogresivo a lo Canterbury, llamado 'Mundo Flotante'. Fue el primer CD 'oficial' que sacamos en nuestro sello octoberXart, y como dije antes, estoy ultimando las composiciones para un segundo volumen que quizás deja un poco de lado el aspecto jazzístico en beneficio de un cruce entre sonoridades como balcánicas y orientales con arreglos que se acercan más al sonido RIO y abundantes pasajes psicodélicos. Lo que hago como improvisador guarda alguna relación con ambas facetas, aunque de una forma más libre y experimental.
Música que guarda relación con la música étnica, o que es abiertamente melódica, o por otra parte que sea totalmente improvisada o más radical, todo esto generalmente me lo guardo para mí porque no creo que encaje bien con la línea de October Equus. A veces hay conflictos, y algún tema ha estado rotando en los repertorios de OE, de Mundo Flotante, del Quartet... A veces la diferencia de estilos en las composiciones no está tan definida y no puedes evitar que un área se contamine un poco de la otra...
Pide un deseo
Como dije antes, desahogo económico para poder abordar mis proyectos, tanto si se tratase de un duo como de una orquesta.